Wanda Cuseo


Nunca una simple y sola letra ha tenido tanta importancia y ha creado tanta polémica. ¿Qué diferencia hay entre las expresiones “de diseño” y “del diseño”? En principio, los mismos matices que en castellano diferencian las locuciones “de música” y “de la música”. Cuando se habla de un “libro de música” está claro que nos referimos a una obra técnica, que contiene notas musicales, o teórica, que reflexiona entorno a este arte. La expresión “historia de la música”, en cambio, nos hace pensar a una cultura, un mundo, una disciplina compleja.

Sin embargo, hablando de “libro de diseño” tenemos la sensación de que nuestras palabras puedan ser malentendidas: ¿es un libro que trata de temas relacionados con el diseño o un libro bonito, original e incluso extravagante? Hace ya muchos años que la coletilla “de diseño” ha pasado a significar “moderno, en línea con las tendencias, de lujo, artificial”. Ha empezado a acompañarse a todo tipo de palabra para darnos a entender todo tipo de significado: muebles de diseño, casas de diseño, prendas de diseño. Como si existieran muebles o vestidos fabricados sin que alguien los haya previamente diseñado, o si fuera posible levantar una casa sin el diseño de su proyecto.

El mal uso de esta coletilla lo denuncia de una forma muy directa y visual la exposición de los Premios Nacionales de Diseño con recortes de prensa que destacan por sus titulares “de diseño”. Los compañeros periodistas (entre ellos yo misma) no se enfadarán. No se trata de una denuncia contra los medios: éstos son el reflejo de lo que pasa en la sociedad. La gente, por ejemplo, habla de “Bebés de diseño” y nadie se maravilla de ello.

¿Por qué ha pasado esto? Una explicación nos la da la misma historia deL diseño: en los años ’80 el diseño fue considerado la solución a todos los males: las consultorías de diseño aumentaban, las empresas que no las utilizaban no tenían posibilidades en el mercado, los profesionales eran divos y el diseño un objeto de culto. Estábamos en la década deL diseño: todo este universo era “guay”. En los años ’90, con la crisis, el diseño pasó a ser algo superfluo un añadido estético, a veces inútil y a menudo extravagante: bienvenidos a la época de diseño.

¿Qué hacer para solucionarlo? Cuatro cosas, a mi juicio.

1) Defender siempre que no existe un mueble de diseño, así como no hay manzanas de comer. Sí podemos diferenciar el buen diseño del malo (que no tiene utilidad, no se puede producir, o es una copia de algo ya existente, por ejemplo).
2) No utilizar la coletilla “de diseño” y buscar criterios para hablar con propiedad: la expresión “de diseño” se referiría a la actividad (un estudio de diseño, una escuela de diseño) y “deL diseño” a una disciplina o cultura específica (principios del diseño, mundo del diseño,…).
3) Trabajar para que el diseño encuentre un lugar en los medios de comunicación distinto de los titulares, para que prensa, radio y televisión no sean simplemente un reflejo de la sociedad, sino una herramienta para educarla.
4) Impulsar la introducción de esta disciplina en el sistema educativo con titulaciones reconocidas y de nivel universitario.

Y quizás, dentro de unos años, en las escuelas públicas los profesores marcarán en rojo como error las coletillas “de diseño” en los trabajos de sus alumnos.

THE IMPORTANCE OF DESIGN

In Spanish, and other Latin based languages (like Italian, my native language), a common one letter has never been so important and has created so much controversy. What is the difference between “de dieño" and "del diseño"? To begin with, the same nuances that distinguish Spanish phrases "de música" and "de la música." When speaking about a "libro de música" it is clear that we refer to a technical piece of work which contains musical notes, or a theoretical work, that reflects on music. The term "historia de la música", however, leads us to a culture, a world, a complex discipline.

But, talking about a "libro de diseño" we feel that our words can be misunderstood: is it a book that deals with issues related to design or a nice book, original and even quirky? Many years ago the tagline "de diseño" has come to mean "modern, in line with trends, luxury, artificial." It has begun to appear next to all sorts of words to make us understand all kinds of meanings: muebles de diseño, casas de diseño, prendas de diseño. As if there were furniture or clothing made without being previously designed, or if it was possible to build a house without designing its project.

The misuse of this tagline is denounced in a very direct visual way by the National Design Awards with press clippings that stand out for their headlines "de diseño." The fellow journalists (including myself) will not get angry. This is not a complaint against the media: they are a reflection of what happens in society. People, for example, speak about "bebés de diseño" and no one is amazed.

Why has this happened? An explanation is given by the same history of design: in the '80s, design was considered the solution to all the problems: the design consulting companies increased, the companies that didn’t ask for their services had no chance in the market, the professionals were divas and design an object of worship. We were in the decade “del diseño”: the whole universe was "cool." In the '90s, with the crisis, design became superfluous, an aesthetic extra, sometimes useless and often extravagant: welcome to the era “de diseño”.

What do we have to do to solve it? In my opinion, four things.

1) Defending that there is no a mueble de diseño as well as there are not a manzana de comer (an eating apple). We can distinguish good design from bad one (if it is not useful, if it cannot be produced or if it is a copy of something already existing).

2) Not to use the tagline "de diseño" and search criteria to speak properly, the term "de diseño" would refer to the activity (un estudio de diseño, una escuela de diseño) and "del diseño" to a specific discipline or culture (principios del diseño, mundo del diseño ....).

3)Working to make design to find a place in the media different than the headlines, so press, radio and television will not be a reflection of society, but tools to educate.

4) Promoting the introduction of this discipline in the education system giving recognized qualifications and with a university level.

And perhaps, in a few years, teachers in public schools will mark in red as a mistake the tagline "de diseño" in their students’ works.


En esta ocasión hemos tenido la suerte de desplazarnos durante los días 22-24 de septiembre a Londres debido a la celebración del “London Design Festival”. Este festival es una plataforma de exhibición y muestra de todo tipo de disciplinas del diseño que aglutina empresas consolidadas, artesanos que impulsan (mediante sus creaciones) los valores más locales y a diseñadores emergentes que intentan transformar los usos y aplicaciones del diseño. En resumen, una cita más que recomendable para todos aquellos que tienen intereses en qué va a pasar en breve en lo que a tendencias en diseño respecta.


Desde Surgenia, se ha puesto especial interés en tres eventos que tenían lugar dentro del extenso programa del “London Design Festival”:
- 100% Design London.
- Tent London.
- Origin, the London Craft Fair.

El primer día de nuestra visita a Londres, acudimos a 100% Design London, feria centrada en diseño de producto de hábitat y espacios de interior. Dentro de este recinto, empresas de todo el mundo muestran sus novedades a un público principalmente formado por arquitectos, interioristas, diseñadores o profesionales de la distribución.

A 100% Design se suman dos espacios de tamaño más reducido: 100% Futures y 100% Materials. 100% Futures es el espacio más emergente y creativo de la exhibición, donde se pudieron visualizar en expositores los trabajos de pequeños estudios de diseño: cerámicas, luminarias y otras piezas de decoración a cada cual más interesante que esperaban al público asistente. Por último, 100% Materials, la parte más experimental y de soluciones a los diseñadores/empresas de cara a tangibilizar sus producciones.

Durante la mañana siguiente, nos desplazamos en dirección contraria hacia la zona de Shoreditch y Brick Lane, un distrito puesto de moda gracias a los jóvenes creativos británicos que llevan revitalizándolo hace algún tiempo. En esta zona es donde se dan lugar dos ferias de especial interés: Tent London y Origin, the London Craft Fair.

Tent London es un evento de carácter anual que tiene lugar en uno de los emplazamientos más interesantes de la ciudad en cuanto a creación respecta, Old Truman Brewery, una antigua zona industrial. Tent propone un espacio donde mostrar nuevas creaciones en todos los ámbitos de diseño (mobiliario, moda, ilustración,…), pero con una alta presencia en lo que a tecnología digital respecta.

Por último, asistimos a Origin, the London Craft Fair, dentro del recinto de Old Spitalfields Market, uno de los destinos históricos y culturales que no deben faltar en la agenda de cualquier visitante a la ciudad de Londres. Origin, es el escaparate anual del Craft Council y reúne a más de 200 artesanos contemporáneos del Reino Unido.

Como conclusión, decir que el “London Design Festival”, es un evento casi de obligada asistencia para los profesionales vinculados con el diseño y la creatividad debido al número de empresas (consolidadas o emergentes) que aglutina, las posibilidades de visualizar innovaciones técnicas/tecnológicas y sus aplicaciones al mercado y, por último, todas las actuaciones que se concentran durante estos nueve días a lo largo de toda la ciudad de Londres.

LONDON DESIGN FESTIVAL: DESIGN AND CREATIVITY ACROSS LONDON.

This time we have been lucky enough to go from 22 to 26 September to London due to the celebration of the “London Design Festival”. This festival is a platform for exhibition and display of all kind of disciplines of design that brings together established companies, artisans driving (through their creations) local values and emerging designers who try to transform the uses and applications of design. In short, a highly recommended event for all those who have a stake in what will happen shortly as far as trends in design are concerned.

Surgenia, has placed special emphasis on three events that took place within the large program of the “London Design Festival"

- 100% Design London.
- Tent London.
- Origin, the London Craft Fair.

The first day of our visit to London, we went to 100% Design London, an exhibition focusing on habitat product design and interior spaces. Within this enclosure, companies around the world show their latest products to an audience mainly consisting of architects, interior designers or professionals in distribution.

In addition to 100% Design there are also two smaller spaces: 100%Future and 100% Materials. 100% Future is the most emerging and creative space in the exhibition, where the work of small design studios can be viewed in exhibitors: ceramics, lighting and other decorative items, each one more interesting to the audience. Finally, 100% Materials, the most experimental section and that give solutions to the designers / companies to make their productions tangible.

The following morning, we move in the opposite direction towards the area of Shoreditch and Brick Lane, a district in vogue thanks to British young creative people who are revitalizing it from some time ago. In this area two fairs of special interest are held: Tent London and Origin, the London Craft Fair.

Tent London is a yearly event that takes place in one of the most interesting sites of the city regarding creation, Old Truman Brewery, a former industrial area. Tent offers a place to show new creations in all areas of design (furniture, fashion, illustration, ...), but with a strong presence in what digital technology regards.

Finally, we attended to Origin, the London Craft Fair in Old Spitalfields Market, one of the historical and cultural destinations that should not be missed in the agenda of any visitor to London. Origin is the annual showcase of Craft Council and brings together over 200 contemporary craftspeople in the UK.

In conclusion, it must be said that the “London Design Festival”, is an almost must-attend event for professionals involved with design and creativity due to the number of companies (consolidated or emerging) that brings together the possibilities of displaying technical innovation / technology and their applications to market and, finally, all actions focused during these nine days throughout the city of London.


El último número de 45 magazine de Surgenia incluye un video editorial de moda y otro de habitat titulado "Sencillo nos gusta más", este último elaborado por el iLab de Surgenia.

Podéis verlo y leerlo siguendo este enlace:
español - english

Os invitamos a dejar vuestro comentario en este blog al leerlo.

por Fátima Sarmiento

Acudimos a Première Vision Pluriel los días 15 y 16 de septiembre, la feria de tejidos y fornituras que se celebra dos veces al año en París y que agrupa los salones Première Vision, Expofil y Modamont. Allí, cientos de empresas productoras de 106 países exhiben durante 3 días sus materias primas textiles a más de 50.000 profesionales, confeccionistas, diseñadores y distribuidores.

Al entrar en sus salones te sumerges en un mar textil con inagotables propuestas de tejidos, estampados, colores, texturas, hilos y fornituras que irremediablemente se traducen en miles de combinaciones posibles a la hora de diseñar una creación de moda. Da la impresión de que cualquier gusto, deseo o necesidad en el vestir de un individuo puede ser satisfecha a partir de esas materias primas y que efectivamente se representa a la perfección la expresión popular “para gustos los colores”, que reclama la gran diversidad de gustos y particularidades de las personas.

Es cierto que la satisfacción del consumidor manda, pero colores hay muchos, en ese momento puedes llegar a pensar que hasta demasiados, y tejidos aún más, por eso, a la hora de tomar decisiones en el diseño de producto es necesario racionalizar la oferta y darle coherencia con la personalidad de la marca y para ello es de gran ayuda anticiparse a los gustos de una mayoría significativa para conectar con la demanda o evitar el estocaje.

En diversos sectores productivos, identificar universos de consumidores ayuda a resumir los gustos y deseos de grupos de individuos actuales y futuros, a la vez que aporta las claves para comprender y predecir sus hábitos de consumo e intuir los colores o tejidos que prefieren. Se trata de una herramienta de gran utilidad para la toma de decisiones, la minimización de riesgos y búsqueda de competitividad.

Por ello, y para hacer más fácil la identificación se nos proponen universos que agrupan texturas y colores: Seduction propone tejidos fluidos y vaporosos, suaves al tacto con estampados de naturaleza onírica y con tonalidades vibrantes multicolor. Relax, presenta tejidos naturales con volumen que aportan calidez y confort en colores sólidos lavados y estampados florales o tramas retro. Distinction nos acerca a la fusión entre la elegancia de la sastrería y el estilo casual mediante la mezcla de tejidos en colores oscuros y estampados geométricos. Pulsation por su parte muestra tejidos funcionales para la práctica de deportes que actúan como segundas pieles.

Todos ellos tienen su reflejo en una caracterización de consumidores desde un punto de vista sociológico en cuanto a cómo piensan, dónde compran, cómo visten o qué valores tienen.

Podemos decir que no todo el mundo tiene los mismos deseos, necesidades, ideas o gustos y es necesario tener apertura de mente para admitir y comprender las particularidades de cada individuo. Pero desde el punto de vista del diseño de producto y estrategia empresarial, atender a tantas particularidades y gustos provocaría desarrollos de gama muy complejos, por lo que es necesario agrupar los gustos para focalizar los esfuerzos.

Volviendo al título del post, la expresión “para gustos los colores” podría invertirse por “para colores los gustos” ya que, bajo esta perspectiva son los colores los que se agrupan en torno a los gustos unificados en universos y no al contrario.

IDENTIFYING. TO EACH HIS OWN.


Translate by
Lola Zambrano

We went to Première Vision Pluriel on the 15th and 16th of September, the exhibition of fabrics and trimmings which is held twice a year in Paris, which combines the rooms Première Vision, Modamont and Expofil. There, hundreds of production companies from 106 countries exhibit their textile raw materials to more than 50,000 professionals, makers, designers and distributors for three days.

When you enter the rooms you are immersed yourself in a textile sea with endless textile fabrics, patterns, colors, textures, yarns and trimmings proposals that will inevitably result in thousands of possible combinations when designing a fashion creation. It seems that every taste, desire or need in clothing of a person can be met from these raw materials and that in fact represents the popular expression "to each his own", which calls for the wide variety of tastes and peculiarities of people.

It is true that customer satisfaction has priority, but there are many colors, in that moment you can think that there are too many, and too many fabrics, so when making decisions in product design it is necessary to rationalize the supply and give coherence to the brand personality and it is helpful to anticipate the tastes of a significant majority to connect to the market demand or prevent stocking.

In different productive sectors, the identification of consumers helps to summarize the present- future tastes and desires of groups of individuals while providing the keys to understand and predict their consumption patterns and guess colors or fabrics they prefer. This is a very useful tool for decision making, the risk minimization and the search for competitiveness.

Therefore, and to make it easier the identification, universes that group textures and colors are proposed: Seduction proposes fluid, soft, gauzy fabrics, with dreamlike nature prints and colorful vibrant hues. Relax, presents natural fabrics with volume that bring warmth and comfort in solid washed colors and floral prints or retro patterns. Distinction presents the fusion between the elegant tailoring and casual style by mixing fabrics in dark colors and geometric prints. Pulsation shows functional fabrics for doing sports that are like second skins.

All of them are reflected in a characterization of consumers from a sociological point of view regarding how they think, where they shop, how they dress or what values they have. It can be said that not everyone has the same desires, needs, ideas or tastes and it is necessary to have an opened mind to accept and understand the peculiarities of each person. But from the point of view of the product design and business strategy to have into account so many special features and developments would bring tastes very complex, so it is necessary to group tastes to focus efforts.

Returning to the title of the post, the expression "to each his own", it could be reversed meaning that the person's tastes in colours are diverse, since, in this light the colors are grouped around unified tastes in universes and it is not the opposite.


Gabriel Márquez García

La redacción de este post se alinea en sintonía con la elaboración de la investigación sobre “hábitat” que está realizando el Departamento de Investigación iLab de Surgenia, sirviéndonos para la elaboración de dicho post de tres conferencias sostenidas sobre diseño en TED.com, portal de conocimiento con recursos audiovisuales disponibles abiertos, a partir del que se establecen algunos de los asuntos que el diseño ha de abordar en esta temática en cuestión.

Las necesidades generadas en torno a la manera en que nos relacionamos se encuentra mediatizada por, entre otros determinantes, el espacio en que dichas relaciones tienen lugar.La configuración de este espacio no solo está basada en las características del mismo, si no que viene condicionada por el valor de los objetos que la pueblan, teniendo dicho valor una vertiente material y otra simbólica.

Por una lado, el valor material de los objetos insertos en el hábitat se refiere a la función que desarrollan y usabilidad que los define.

Por otro, encontramos el valor simbólico que poseen los objetos, entendido como tal el que está relacionado con la cultura e imaginario colectivo, valor compartido por el grupo de pertenencia.

A continuación hacemos referencia, y “linkeamos”, tres charlas mantenidas en la citada plataforma TED.com las cuales explican la importancia del valor simbólico de los objetos.

En la pagina 14 de ted (valore simbolico en los objetos y espacios)

● Ejemplo de una carrera profesional dedicada a la aportación de valor simbólico al diseño en general y a los objetos en particular es la de Charles Eames, encontrandose en este link disponible la revisión que hace su nieto de su obra, así como su biografía.

● La detección y correcta gestión del valor simbólico sitúa al objeto en una posición de ventaja con respecto a sus competidores, siendo muy útil para tal investigación la metodología Design Thinking, existiendo una propuesta de implementación realizada por Tim Brown en el speech que desarrolló para TED.com, quien entendiendo el diseño como centrado en el ser humano.

● El valor simbólico de los objetos se encuentra en relación directa con la capacidad de contar historias de los mismos (Story Telling), como comenta Yves Behar de manera muy acertada en su exposición, siendo este mecanismo tanto creador como transmisor de cultura.

Es por lo dicho que los objetos que configuran el hábitat, y por lo tanto las relaciones sociales tienen lugar en ella, a través de una vertiente material e inmaterial o simbólica, demostrándose básica la detección y gestión de los condicionantes mencionados.

Es por esto que Surgenia ofrece a las empresas asesoramiento vistas a comprender y dirigir sus productos hacia las necesidades manifiestas y latentes de la sociedad.

This post comes from the research that is being developed by Surgenia’s iLab Research Department about “habitat”. We have analyzed three different TED.com design speeches. TED.COM is a web site that was shaped as a knowledge platform in which all audio visual resources are released free of charge for the viewer and in which there are treated some of the issues that Design should deal with.

The generated necessities around the way we establish relationships to each other are influenced by, amongst other determinants, the space in which these relationships take place.

The space shape is not merely based on its own characteristics, but it is conditioned by the value of the objects that exists within it, having the already mentioned value a material and a symbolic part.

On the one hand, the value of the objects embedded in the habitat concerns to the function that they develop and the use that defines them.
On the other hand, we find that the symbolic value of the objects is related to the culture and collective imagination, and value shared by the members of the community.

In the next paragraphs we mention, and provide links of three of the TED.com uploaded speeches that explain the importance of the symbolic value.

As an example of a professional career centered on conveying symbolic value to the design in general and to the objects in particular we mention Charles Eames, where his grandson review of his work is available, as well as his biography.

The detection and correct management of the symbolic value places the object in an advantage position over its competitors, being very useful for such research the methodology Design Thinking, implementation proposal made by Tim Brown on TED.com speech understanding design as human-centered.

The symbolic value of objects is directly related to the ability to tell stories about themselves (Story Telling), as Yves Behar says very successfully in his presentation, being this mechanism both a creator and cultural vehicle.

In conclusion there must be said that the objects shape the habitat and the social relationships that take place within it, through a material and immaterial or symbolic side, so it is basic the detection and the management of the determined factors mentioned before.

This is the reason why Surgenia gives advice to the corporations with the aim to understand and guide their products toward the manifest and latent society necessities.

por
ROSA MUÑOZ

Del 6 al 8 de septiembre hemos estado en “Transforming Design”, la Conferencia Europea 2010 del Design Management Institute.

Llegar al Transforming Design no fue fácil. En primavera, cuando iba a tener lugar el evento, nuestro viejo amigo Eyjafjallajökull se removió y empezó a escupir nubes de ceniza, lo cual impidió su celebración. E incluso estos días de septiembre han sido complicados con la huelga de metro de Londres.

Lo importante es que finalmente se celebró y reunió allí a personas de un gran número de países. Instituciones, empresas y diseñadores en un mismo foro donde compartir sus inquietudes y su visión del sector. En esta edición se ha puesto el foco en tres áreas:

1. La dirección de diseño en los sectores público y de servicios sociales.
2. El diseño de nuevos productos y servicios.
3. La innovación en la empresa.

Entre los ponentes estaban Mike Ganderton, Director Creativo Senior de LEGO; Jeremy Brown, Director de Diseño Serior de Virgin Atlantic Airways; Charles Bezerra, Director Ejecutivo de GAD’Innovation Brasil o Michael Schrage, miembro del cuerpo docente del MIT Sloan School of Management.

En las ponencias quedó claro que nuestro mundo no es lo único que está cambiando, sino también el rol del diseño y el perfil de los líderes de la industria. Hoy en día nos vemos obligados a dar solución a problemas muy complejos, que involucran a múltiples disciplinas del diseño, equipos colaborativos, nuevos métodos de gestión del diseño (design management) y pensamiento de diseño (design thinking).

El diseño está siendo reconocido como un facilitador de la transformación en la empresa porque éste lidera el cambio y mueve la empresa hacía adelante.

Por supuesto que el diseño es un resultado en sí, pero también es una herramienta procedimental, y una herramienta de transformación. Como tal, quedó patente que hoy día el diseño ya no es un terreno sólo de diseñadores sino que se ha ampliado para enriquecer el proceso y amplificar su efecto.

Los casi 200 profesionales del diseño allí presentes hicieron sus aportaciones en cuanto a su visión del sector a futuro y cuáles serían los retos. Entre ellos se comentó:

1. La necesidad de demostrar el valor del diseño y poner en clave financiera su beneficio para la empresa.
2. Hay que aprender a comunicar, argumentar y defender el trabajo de diseño pero también ser autocríticos.
3. La combinación de humildad y orgullo por nuestro trabajo.
4. El diseño ya no es asunto exclusivo de diseñadores, los equipos son híbridos y multidisciplinares.
5. La formación es absolutamente necesaria, y hay que mejorar mucho. Formación no sólo en diseño sino también en negocios.
6. La sostenibilidad se convierte en un imperativo.
7. La globalización pasa a la glocalización, siendo muy importante la adaptación a lo local.
8. Los problemas a solucionar a través del diseño no son problemas aislados, están interconectados y son complejos.
9. El diseño del futuro será un diseño social: integrador, solucionador de problemas y que tendrá una gran aplicación a los servicios públicos.

No sé qué os parece a vosotros pero yo creo que entre todos acertamos en identificar los retos del sector. Y es importante que se hable de diseño, se comunique el diseño y se demuestre su valor en la empresa. Si no se conoce algo ¿cómo va a ser valorado?

ASIST. TRANSFORMING DESIGN LONDON

From the 6th to the 8th of September we have taken part in “Transforming Design”, the European Conference 2010 of the Design Management Institute.

To attend Transforming Design was not easy. It was scheduled to spring, when our old friend Eyjafjallajökull stirred up and covered with an ash cloud almost all Europe, which prevented from holding the conference. Even these September days have been complicated due to the London tube workers’ strike.

Anyway the important issue is that finally it was held and there were people coming from many countries. Institutions, companies and designers gathered in the same forum in order to share their thoughts and their vision about the industry.

This conference focused on three important areas:
1. Design Management in social and public sectors.
2. New products and services design.
3. Business innovation.

Among the speakers there were Mike Ganderton, Creative Senior Director, LEGO Group; Jeremy Brown, Senior Design Manager, Virgin Atlantic Airways Ltd; Charles Bezerra, Executive Director, GAD’Innovation Brazil or Michael Schrage, Fellow, MIT Sloan School of Management.
During the conference it was stated that not only our world is changing, but also the role of design and the industry leaders profile. Nowadays we have to face very complex problems, involving multiple disciplines, collaborative teams, new design management methods and design thinking.

Design is becoming recognized as an enabler of business transformation because it leads change and moves the company forward. Design is no doubt an outcome itself, but also a process tool, an innovation tool and a transforming tool. As this multiple functionality inspires, design is not restricted to designers only anymore, the boundaries have widened to enrich the process and amplify its effects.

Almost 200 professionals contributed with their ideas regarding the future of the industry and which would be the challenges to face. They highlighted the following:

1. It is necessary to prove the value of design and translate into finance language its benefit.
2. We must learn to communicate, support with arguments and defend design but also we must be self-critic.
3. Combination of humbleness and pride for our work.
4. Design is not restricted to designers, teams are hybrids and multi-skilled.
5. Education is absolutely necessary, and we have a long way to walk. Education for designers must include business knowledge.
6. Sustainability is a must.
7. Globalization becomes glocalization, it is very important to adapt ourselves to local needs.
8. Problems are not isolated. They are interconnected and are complex.
9. Design of the future will be a social design: integrative, problem-solver and it will be largely applied to public services.

I wonder what your opinion about these points is, but I believe that we all hit the real challenges of the industry. Besides it is crucial to raise the topic of design, to communicate design and probe the value applied to business. If you don’t know something, how will you value it?

Translation: ROSA MUÑOZ


por Rosalía Jiménez


Cuando imaginaba la moda del futuro, siempre pensaba en colecciones con aires cibernéticos, prendas inteligentes y tejidos tecnológicos a modo de las colecciones de hace unos años de
Hussein Chalayan o Nicolás Ghesquiere para Balenciaga. Nada más lejos de la realidad.

El futuro inmediato parece inundado por otra tendencia muy en alza que parece contraria a todo este universo cibernético y que, frente a los tejidos sintéticos y los acabados industriales, prima el valor de la materia prima natural y los acabados artesanales.

La sociedad en que vivimos actualmente y el consumo que realizamos más racional debido a la época de crisis, nos hace valorar otro tipo de accésits que vienen de la mano de la elaboración cuidada a través de mecanismos artesanales que dotan a los productos de autenticidad, historia y atemporalidad.

La añoranza de aquellos tiempos pasados en los que parecía que “todo iba mejor” juega un papel muy importante en esta tendencia de consumo. Y la moda se ha dado cuenta de ello.

Claros ejemplos podemos verlos en las líneas que los diseñadores proponen para esta temporada otoño/invierno. Bordados como los que proponía en sus últimos diseños el desaparecido
Alexander McQueen, encajes como el que utiliza Dior en sus propuestas de calzado y piezas hechas totalmente a mano volverán a dotar a los productos de ese valor intagible que convierte a las prendas en verdaderas piezas de museo.

De manera más local, diseñadores como
Fernando Claro apuestan por recuperar para la moda oficios tan tradicionales como la orfebrería y presentan para esta temporada cinturones, collares y pulseras realizados por la prestigiosa orfebre sevillana Esther Amo.

Incluso los diseñadores más jóvenes se han hecho eco de esta “tendencia”. Hace apenas unos meses podíamos ver en la pasarela
South 36.32 N como el jienense Moisés Nieto recuperaba uno de los oficios más antiguos y que parece, nada tiene que ver con la moda: el de espartero. Moisés combina este material con otros más nobles y consigue complementos únicos basados en lo que él ha resuelto en llamar “lujo austero”.

¿Se convertirá la artesanía en pieza fundamental de este “nuevo lujo”? ¿Será la artesanía una profesión de futuro?

When I imagined the future fashion, I always thought about cyber collections, intelligent garments and technological textiles as the Hussein Chalayan collections showed a few years ago or those from Nicolás Ghesquiere for Balenciaga. Nothing is further from reality.

The immediate future has another rising trend that seems opposite to this cyber universe, and instead of synthetic fabrics and industrial finishes, natural materials and handcrafted finishes are highly valued.

The society in which we live today and the more rational consumption we make due to the time of crisis, makes us to value other kind of second prizes that come from the hand of the careful preparation through handicraft mechanisms that give authenticity, history and timelessness to the products

The longing for those past times when it seemed that "everything was better" plays an important role in this trend of consumption. And fashion has taken it into account.

Clear examples are found on the lines that the designers intend for this autumn / winter. Embroideries as those proposed by the late Alexander McQueen in his designs , laces as Dior uses in his proposals for footwear and pieces made entirely by hand, will give the products the intangible value that transforms clothes in real museum pieces.

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Local designers such as Fernando Claro bets to recover traditional crafts such as goldsmith for fashion and proposes for this season belts, necklaces and bracelets made by the prestigious Master goldsmith Esther from Seville.

Even young designers have echoed this "trend." Just a few months ago we could see on the South 36.32 N catwalk how Moises Nieto from Jaén recovered one of the oldest professions without any connection with fashion apparently: esparto crafter. Moisés combines esparto with other fine materials and gets more unique accessories based on what he has decided to call "austere luxury.

Will handicrafts become basic in this "new luxury"? Will craft be a future profession?

Traslation: Lola Zambrano

por
Wanda Cuseo


“Sostenibilidad”, “respetuoso con el medioambiente” o “eco-diseño”: términos utilizados cada vez más por los medios de comunicación, los profesionales del diseño y los ciudadanos. Sin embargo, surgen muchas dudas a la hora de concretar qué hábitos hay que cambiar (y cómo) para poder pasar de la teoría del eco-diseño -y del eco-lifestyle- a prácticas que verdaderamente supongan un cambio.

En el campo del diseño gráfico, por ejemplo, una de las problemáticas que obstaculizan la difusión de prácticas sostenibles, es la presunta incompatibilidad entre lo eco y lo bonito. Se suele pensar que un papel reciclado nunca puede llegar a tener la misma calidad que un papel tradicional. O que los pasos a dar para que un proyecto gráfico sea verdaderamente sostenible son tan complicados que el precio a pagar resultaría demasiado alto para cualquier cliente. Quizás hace unos años era verdad. Hoy, sin embargo, las palabras “eco”, “bonito” y “económicamente asumible” ya pueden pronunciarse juntas.

Es prueba de ello el libro “Sostenible. Un manual de materiales y aplicaciones prácticas para los diseñadores gráficos y sus clientes” de Aaris Sherin, de la editorial Gustavo Gili. Este volumen no sólo explica cómo conseguir productos gráficos respetuosos con el medioambiente, sino que él mismo es una muestra de la calidad que se puede conseguir con el eco-diseño. Se trata de un libro sostenible, impreso sobre papel 100% reciclado, y para cuyas cubiertas se han aprovechado los pliegos de las pruebas de color.

El volumen, además, recoge numerosos ejemplos de proyectos gráficos (corporativos, packaging hasta páginas web) sostenibles, innovadores y, sin lugar a duda, bonitos. La autora anima a los diseñadores para que ofrezcan a sus clientes proyectos de este tipo, poniendo su papel de creadores de tendencias a disposición del futuro de los recursos naturales. ¿Demasiado complicado para llevarse a cabo? Pues, ningún proyecto de diseño es simple. Se trata solamente de hacer un pequeño esfuerzo y cambiar la manera tradicional de hacer las cosas por una nueva y más sostenible.

Pocas dudas caben de si, a medio o largo plazo, se trata de una elección rentable. Simplemente, pronto dejará de ser una elección para convertirse en una obligación. Basta con fijarse en las últimas noticias recogidas por los medios de comunicación sobre diseño. En la Bienal de Venecia, España ha presentado una propuesta que se basa en las construcciones eficientes gracias al aprovechamiento de la energía solar.

El fallo del jurado del concurso organizado por el Gobierno de Navarra para la construcción de tres centros de servicios en el Pirineo ha premiado las propuestas sostenibles. Los arquitectos y paisajistas cada vez más introducen jardines verticales en sus proyectos urbanos. Ya son realidad, y noticia, las iluminaciones que no contaminan. Y hasta las productoras de artículos de papelería han preparado para este año una vuelta al cole ecológica.

¿Se trata simplemente de una moda? Creemos que más bien estamos delante de una tendencia que nos marcará el camino durante muchos de los próximos años. En este sentido, estamos convencidos que el papel del diseñador y de las instituciones será fundamental para el impulso de prácticas sostenibles.

ECO AND BEATIFUL: IS IT POSIBLE?

"Environmentally friendly" or "eco-design" are words used increasingly by the media, design professionals and citizens. However, many questions arise when specifying what habits must be changed (and how) to move from the theory of eco-design and eco-lifestyle- to facts that truly represent a change.

In the field of graphic design, for example, one of the problems that hinder the diffusion of sustainable practices is the incompatibility between the eco and the beauty. We tend to assume that recycled paper can never have the same quality as the common one. Or that the next steps for a true sustainable graphic design are so complicated that the price would be too high for any customer. Maybe a few years ago it was true. Today, however, the words "eco", "beautiful" and "economically acceptable" can already be pronounced together.

It is evidence the book
Sustainable, a manual of materials and practical applications for graphic designers and their clients by Aaris Sherin, published by Gustavo Gili. This volume not only explains how to get graphics products environmentally friendly, but it also contains numerous examples of innovative sustainable graphic projects (corporate, packaging even websites), and, no doubt, beautiful ones. The author encourages designers to offer their customers such projects, and as creators of trends opting for natural resources as the future. Too complicated to be done? Well, any design project is simple. A little effort must be done and the traditional way of doing things must be changed by a new and more sustainable one.

Few doubts on whether it is a profitable choice in a medium or long term. Simply, it won’t be soon an election it will become an obligation. Just have a look at the latest news by the media about design. In the Venice Biennale, Spain has submitted a proposal which is based on efficient construction using
solar energy.

The jury of the contest organized by the Government of Navarra for the construction of three service centers in the Pyrenees has awarded s
ustainable proposals. The architects and landscape painters introduce increasingly vertical gardens in urban projects. They already exist, light bulbs that do not pollute. And even the producers of stationery have prepared for this year a green back to school.

Is it just a fad? We believe that we are facing a trend that we will lead the way for many years to come. In this sense, we are convinced that the role of the designer and the institutions will be critical for promoting sustainable practices.


por Javier González

Desde hace ya bastante tiempo, es generalizado y comúnmente aceptado que el cliente es el centro de la estrategia empresarial y, consecuentemente, también lo es en una de las fases clave dentro de ésta como es la generación/definición del producto-servicio que una organización oferta en el mercado.


Prueba de este cambio en la gestión empresarial (en la actualidad más que consolidado) se ha podido ver como sólidas estructuras empresariales altamente focalizadas en su proceso productivo han dado paso a otras con un componente mayor de flexibilidad, que tienen más en cuenta al cliente (introduciendo o dando cada vez mayor peso a las funciones comerciales y de marketing), considerando a éste como pieza clave para el éxito empresarial. Pues bien, unos de los paradigmas actuales de esa importancia que tiene el usuario en la generación de producto es la co-creación.

Existen múltiples maneras de referirse a este proceso de creación junto al usuario. Por sintetizar, se puede decir que supone la aplicación de técnicas de investigación sociológica y de mercados a la generación de productos contando con una participación activa de un conjunto de potenciales clientes de la empresa en cuestión. Posteriormente, una vez concluida la fase de estudio, los resultados se tendrán en cuenta para el diseño o configuración del producto.

La cuestión clave en la utilización de este tipo de técnicas es (tal y como planteaba Ford) es que los consumidores no son particularmente buenos a la hora de articular con claridad sus necesidades actuales, ni, por supuesto, a la hora de dar una solución concreta a ella. Por tal motivo, se acude a la co-creación como un proceso mediante el cual los usuarios se implican con la empresa a la hora de un nuevo lanzamiento de producto, y en el que entran a jugar tanto emociones como experiencias personales mejorando la percepción y motivación hacia la compra de ese producto. Claros ejemplos de este tipo de iniciativas los podemos encontrar en las siguientes webs: My Starbucks Idea y Munich my way.

Bajando un nivel más de detalle en este tipo de procedimiento, encontramos la investigación mediante Mood-boards generado por usuarios.

La creación mediante paneles es una técnica conocida en el campo del diseño, si bien es verdad, la inclusión del cliente en esa creación es algo más novedoso, pues supone introducir a tu potencial consumidor en un reto creativo donde las empresa define el marco de esa creación y es el usuario quien, con sus experiencias, percepciones e ideas da contenido a lo que será en un período de tiempo un producto en el mercado.

Desde Surgenia, pensamos que esta manera tan interactiva de generación de ideas es un camino en cierta medida fácil y asumible por las empresas que puede tener repercusiones positivas para el desarrollo de su negocio.
JAVIER GONZÁLEZ


CO-CREATION: DESIGN BY AND FOR THE USER

For quite some time, it is widespread and commonly accepted that the customer is the center of business strategy and, consequently, also the center in one of the key phases within it such as the generation / definition of the product-service that an organization supply on the market.

Proof of this change in business management (nowadays more than consolidated) highly focused solid business structures in the production process are seen to have given way to a major component of flexibility, which take the customer more into account (introducing or increasing importance given to sales and marketing functions), considering the customer as a key to business success. So, some of the current paradigms of the importance of the user in the generation of product is the co-creation.

There are different ways to refer to this process of creation with the user. Summarizing, we can say that involves the application of sociological and market research techniques to the generation of products counting with an active participation of a group of potential customers of the company in question. Later, once the study phase is finished, the results are taken into account in the design or configuration of the product.

The key issue in the use of such techniques is (as Ford said) that consumers are not particularly good at showing their current needs clearly, nor, of course, when giving a solution to it. For this reason, the co-creation is used as a process in which users are involved with the company when a new product is launched, and where emotions and personal experiences come into play improving the perception and motivation for buying that product. Good examples of this type of initiatives are found on the following websites
: My Starbucks Idea and Munich my way.

The creation using panels is a technique known in the field of design, but it is true that the inclusion of the client in that creation is new, as your potential customer is involved in a creative challenge where the company defines the framework of that creation and it is the user who, with his experiences, perceptions and ideas gives content to what a product will be in a period of time on the market.

From Surgenia, we think that such an interactive system of idea generation is a way somewhat easy and affordable by companies that may have a positive impact on the business development .
TRANSLATION: LOLA ZAMBRANO