Blog del área de Investigación y Tendencias de Surgenia donde publicamos información sobre nuestros viajes, visitas a ferias, comentarios de libros, tendencias, método de trabajo y novedades en el mundo de la gestión del diseño.
Dentro de la línea de investigación en Moda (y complementos) que se desarrolla dentro del Observatorio de Tendencias de Surgenia, se viene detectando una corriente bastante interesante dentro de este sector: la creación de iconos basados en sujetos del mundo animal.
Se puede observar que esta “cacería” se ha producido anteriormente en otros sectores. Memorables ejemplos son el de la imagen de un caballo pura sangre dentro del sector automovilístico (en el caso de las marcas Ferrari y Porche) o también el archiconocido oso panda de WWF – World Wide Fund for Nature.
Esta persecución, en la mayoría de los casos, puede pretender la creación de conceptos universalmente reconocidos, fundamentalmente logotipos (con sus distintas aplicaciones), imágenes que han salido de la conjunción de visión y creatividad de la empresa, con unos valores compartidos en distintos mercados y adaptados a un lenguaje contemporáneo. En nuestra opinión, no deja de ser una búsqueda de un mejor posicionamiento dentro del mercado, o en su defecto, una estrategia de seguimiento a los líderes del sector que implementaron este tipo de actuaciones y tuvieron éxito, como por ejemplo LACOSTE o toda la iconografía animal de Cartier.
Pues bien, como se podrá imaginar, dentro del sector de la moda y los complementos no se ha dejado escapar y, al igual que en la Época Medieval se utilizaban las figuras animales como metáfora de alguna virtud, se están utilizando para transmitir los valores de la marca al consumidor final.
Algunos ejemplos de esta corriente los tenemos en osos de lujo, caballos bordados en las camisas, la iconografía felina de alguna firma de joya, tiburones para un segmento más conservador,...e incluso llegando a duplicarse y que distintas marcas utilicen una misma imagen.
Simplemente, y como conclusión, esperemos que esta corriente no llegue a ser demasiado extendida y todos nuestros querido animalitos-anagramas tengan su espacio dentro de la jungla que supone el sector de la moda.
CREATING ICONS IN A WILD WAY
Within the research in Fashion (and accessories) that the Surgenia Trend Observatory develops, a quite interesting tendency has been detected in this sector: the creation of icons based on subjects from the animal world.
It can be observed that this "hunt" has occurred previously in other sectors. Memorable examples include the image of a thoroughbred horse in the automotive sector (in the case of Ferrari and Porsche brands) or the well-known panda of WWF - World Wide Fund for Nature too.
This persecution, in most cases, can expect the creation of universally recognized concepts, mainly logos (with their various applications), images that have come out from a combination of vision and creativity of the company, with some shared values in different markets and adapted to a contemporary language. In our opinion, it never ceases to be a search for a better positioning in the market, or failing that, a monitoring strategy to the industry leaders that have implemented this type of actions and were successful, such as LACOSTE, or all the Cartier animal iconography.
Well, as it can be imagined, the field of fashion and accessories has followed this tendency and, as in the Medieval period the animal figures were used as a metaphor of some virtue, they are being used to convey the values of the brand to the consumer.
Some examples of this tendency can be found in deluxe bears, horses embroidered on shirts, the feline iconography of a jewelry firm, sharks for a more conservative segment ... and even duplicating the icons and that different brands use the same image.
Simply, and in conclusion, let's hope that this trend will not become too widespread and all our beloved anagrams-pets have their place in the jungle that is the fashion industry.
El último libro de Guillaume Erner nos presenta diferentes enfoques para definir la disciplina y un recorrido histórico por los intentos para abordar la investigación en tendencias.
Me parecen interesantes algunas de las reflexiones que plantea, por ejemplo, acerca de la paradoja existente en relación al uso de la palabra en diferentes ámbitos, ya que actualmente, la palabra tendencia, sirve para describir tanto un comportamiento vanguardista, anómalo y original, y por el contrario, fenómenos o corrientes ya relativamente presentes e instauradas en la sociedad. Una circunstancia que hace aún más compleja la materia, ya que confunde y dispersa el foco de atención.
Por otro lado, también es interesante su planteamiento que diferencia entre tendencias funcionales y no funcionales, entendidas como funcionales aquellas que encuentran su explicación por modificaciones económicas, sociodemográficas o legislativas que reflejan los cambios, frente a las no funcionales, que son menos comprensibles. Al leerlo, pienso que una buena forma de recordar su diferencia es conectarla con los productos funcionales, que son aquellos con omega 3, con bifidus,...los cuales tienen su origen en el envejecimiento progresivo de la población detectado en los años 80 en Japón, y las políticas de fomento gubernamentales que se produjeron como consecuencia, para crear alimentos con beneficios para la salud. Por contra, las tendencias no funcionales serían aquellas más arbitrarias como el resurgimiento de las hombreras, que no cuentan con una explicación sociopolítica de fondo y se circunscriben más en el ámbito de las modas pasajeras. Según Erner, el interés para la sociología de las tendencias, está en explicar estas últimas o como él dice “una discusión sobre lo que nunca se discute: los gustos y los colores”.
El libro es útil para conocer los diferentes intentos para abordar la investigación sociológica de las tendencias, muchos de ellos fallidos, y aunque no da recetas sobre cómo llevarla a cabo sí que es de utilidad para ver plasmada la dificultad de su estudio como exploración de los gustos colectivos, y cómo en ella intervienen elecciones individuales, de mimetismo, de deseo de distinción o deseo de pertenencia de las personas; la carrera por ofrecer novedades de los productores y el papel de difusor/creador de los medios de comunicación y agencias de estilo.
Desde nuestra perspectiva, coincidimos en que la materia es compleja de investigar y al mismo tiempo, la información que se deriva de ella es valiosa y útil. El tratamiento de la información de manera sistemática y aunando perspectivas diferentes desde la sociología y el estudio del usuario, junto con el análisis de las corrientes estéticas o del diseño y la investigación de mercado, arroja información útil para la toma de decisiones, minimización de riesgos y búsqueda de oportunidades que nada tienen que ver las técnicas adivinatorias derivadas del uso de una bola de cristal.
"Sociología de las Tendencias". Guillaume Erner. Publicado por Gustavo Gili, Barcelona 2010.
El último número de 45 magazine de Surgenia incluye una serie de entrevistas a 5 empresas andaluzas vinculadas con el diseño y otro de moda titulado "Personalidad vs. tendencias", este último elaborado por el iLab de Surgenia.
Podéis verlo y leerlo siguendo este enlace: español - english
Os invitamos a dejar vuestro comentario en este blog al leerlo.
Como decía el filósofo Aristóteles “la virtud siempre está en el término medio” y eso parecen haberlo entendido muy bien un gran elenco de diseñadores militantes de un estilo de costura que se ha acordado en llamar: demi-couture.
Lejos de optar por realizar grandes colecciones industriales que puedan carecer de ese elemento especial del que puede dotarlas la costura, muchos diseñadores se han afanado en buscar el equilibrio entre la confección industrial y artesanal y trabajar en esa delgada línea que separa el prêt-à-porter y la alta costura.
Muchos lo han denominado prêt-à-porter de lujo, otros semicostura o midicouture –muy utilizado en países sudamericanos-, pero realmente el término más acuñado por los expertos en moda ha sido la voz francesa: demi-couture.
Pero, ¿sabemos realmente de qué estamos hablando cuando hablamos de semicostura? Para entender lo que significa el término demi-couture, debemos primero conocer exactamente a qué nos referimos cuando hablamos de alta costuray prêt-à-porter.
La primera de las voces francesas hace referencia al punto álgido de la moda. Una forma de trabajar en la que el diseñador elabora la prenda directamente sobre la modelo o clienta y va “esculpiendo” su obra con el mayor cuidado, desarrollando toda su capacidad creativa. En esta forma de confección se utilizan tejidos y fornituras de la más alta calidad. Suelen ser prendas exclusivas por su elevado nivel de personalización. En consecuencia, su precio es bastante elevado y sólo algunos afortunados de llevar una prenda de esta índole.
La segunda es una forma mucho más industrializada de creación. La calidad de los tejidos y ornamentos suele ser ligeramente inferior y el trabajo artesanal queda reducido a mínimos. Las prendas se producen bajo medidas estándares según el diseño facilitado por el creador y no tienen más límite de reproducción que el del número de pedidos que realicen al diseñador.
Entre estas dos opciones se encuentra el “Demi-couture”. Surgió gracias a la gran demanda del mercado de diseños personalizados a precios asequibles y a la negativa de muchos diseñadores a renunciar a la esencia de la costura artesanal. La semicostura que, por un lado, permite al diseñador conseguir esos acabados artesanales que dotan a la prenda de una mayor calidad y diferenciación y por otro, reduce el número de reproducciones debido a su técnica de fabricación, ha conseguido bastantes seguidores entre los diseñadores y muchos más adeptos entre los consumidores. Los tejidos empleados en este híbrido de la costura suelen ser bastante ricos, sin llegar a la calidad de la materia prima empleada en la haute couture, pero su precio es bastante menor. Una solución a medida para diseñador y cliente.
DEMI-COUTURE, LUXURY SEWING
As the philosopher Aristotle said “Virtue is always in the middle”, something that a large cast of militants stitching style designers seem to have understood very well and have agreed to call it: demi-couture.
Far from making big industrial collections which may lack that special element that sewing can provide, a lot of designers have searched the balance between industrial and craft making and they work in that thin line that separates prêt-à-porter and haute-couture.
It has been called prêt-à-porter deluxe by some people, semicostura or midicouture by others, widely used in South American countries, but the best terminology coined by most of the fashion experts has been the French word: demi-couture.
But, do we really know what we mean when we talk about demi-couture? To understand what is meant by the term demi-couture, first we must know exactly what we mean by haute-couture and prêt-à-porter.
The first of the French words has to do with high point of fashion. One way of working in which the designer draws the garment directly on the model or client and sculpts his work with the utmost care, developing all his creative capacity. In this kind of clothing high quality fabrics and trimmings are used. As a consequence, the price is quite high and only some lucky people can wear them.
The second one is a much more industrialized way of creation. The quality of the fabrics and ornaments is slightly lower and the craftsmanship is reduced to the minimum. The garments are produced in standard sizes depending on the design provided by the creator and their only production limit is the number of orders placed to the designer.
Between these two options is the "demi-couture." It appeared due to the high market demand for custom designs at affordable prices and to the refusal of many designers to give up the essence of craft couture. The demicouture, on the one hand, allows the designer to achieve these handcrafted finishes that provide the piece with higher quality and differentiation and on the other hand, reduces the number of productions due to their manufacturing technique, it has achieved a lot of a supporters among designers and many more among consumers. The fabrics used in this hybrid sewing are usually quite rich, without reaching the quality of the material used in haute couture, but the price is much lower. A good solution for designer and client.
Acudimos a Première Vision Pluriel los días 15 y 16 de septiembre, la feria de tejidos y fornituras que se celebra dos veces al año en París y que agrupa los salones Première Vision, Expofil y Modamont. Allí, cientos de empresas productoras de 106 países exhiben durante 3 días sus materias primas textiles a más de 50.000 profesionales, confeccionistas, diseñadores y distribuidores.
Al entrar en sus salones te sumerges en un mar textil con inagotables propuestas de tejidos, estampados, colores, texturas, hilos y fornituras que irremediablemente se traducen en miles de combinaciones posibles a la hora de diseñar una creación de moda. Da la impresión de que cualquier gusto, deseo o necesidad en el vestir de un individuo puede ser satisfecha a partir de esas materias primas y que efectivamente se representa a la perfección la expresión popular “para gustos los colores”, que reclama la gran diversidad de gustos y particularidades de las personas.
Es cierto que la satisfacción del consumidor manda, pero colores hay muchos, en ese momento puedes llegar a pensar que hasta demasiados, y tejidos aún más, por eso, a la hora de tomar decisiones en el diseño de producto es necesario racionalizar la oferta y darle coherencia con la personalidad de la marca y para ello es de gran ayuda anticiparse a los gustos de una mayoría significativa para conectar con la demanda o evitar el estocaje.
En diversos sectores productivos, identificar universos de consumidores ayuda a resumir los gustos y deseos de grupos de individuos actuales y futuros, a la vez que aporta las claves para comprender y predecir sus hábitos de consumo e intuir los colores o tejidos que prefieren. Se trata de una herramienta de gran utilidad para la toma de decisiones, la minimización de riesgos y búsqueda de competitividad.
Por ello, y para hacer más fácil la identificación se nos proponen universos que agrupan texturas y colores: Seduction propone tejidos fluidos y vaporosos, suaves al tacto con estampados de naturaleza onírica y con tonalidades vibrantes multicolor. Relax, presenta tejidos naturales con volumen que aportan calidez y confort en colores sólidos lavados y estampados florales o tramas retro. Distinction nos acerca a la fusión entre la elegancia de la sastrería y el estilo casual mediante la mezcla de tejidos en colores oscuros y estampados geométricos. Pulsation por su parte muestra tejidos funcionales para la práctica de deportes que actúan como segundas pieles.
Todos ellos tienen su reflejo en una caracterización de consumidores desde un punto de vista sociológico en cuanto a cómo piensan, dónde compran, cómo visten o qué valores tienen.
Podemos decir que no todo el mundo tiene los mismos deseos, necesidades, ideas o gustos y es necesario tener apertura de mente para admitir y comprender las particularidades de cada individuo. Pero desde el punto de vista del diseño de producto y estrategia empresarial, atender a tantas particularidades y gustos provocaría desarrollos de gama muy complejos, por lo que es necesario agrupar los gustos para focalizar los esfuerzos.
Volviendo al título del post, la expresión “para gustos los colores” podría invertirse por “para colores los gustos” ya que, bajo esta perspectiva son los colores los que se agrupan en torno a los gustos unificados en universos y no al contrario.
IDENTIFYING. TO EACH HIS OWN.
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Lola Zambrano
We went to Première Vision Pluriel on the 15th and 16th of September, the exhibition of fabrics and trimmings which is held twice a year in Paris, which combines the rooms Première Vision, Modamont and Expofil. There, hundreds of production companies from 106 countries exhibit their textile raw materials to more than 50,000 professionals, makers, designers and distributors for three days.
When you enter the rooms you are immersed yourself in a textile sea with endless textile fabrics, patterns, colors, textures, yarns and trimmings proposals that will inevitably result in thousands of possible combinations when designing a fashion creation. It seems that every taste, desire or need in clothing of a person can be met from these raw materials and that in fact represents the popular expression "to each his own", which calls for the wide variety of tastes and peculiarities of people.
It is true that customer satisfaction has priority, but there are many colors, in that moment you can think that there are too many, and too many fabrics, so when making decisions in product design it is necessary to rationalize the supply and give coherence to the brand personality and it is helpful to anticipate the tastes of a significant majority to connect to the market demand or prevent stocking.
In different productive sectors, the identification of consumers helps to summarize the present- future tastes and desires of groups of individuals while providing the keys to understand and predict their consumption patterns and guess colors or fabrics they prefer. This is a very useful tool for decision making, the risk minimization and the search for competitiveness.
Therefore, and to make it easier the identification, universes that group textures and colors are proposed: Seduction proposes fluid, soft, gauzy fabrics, with dreamlike nature prints and colorful vibrant hues. Relax, presents natural fabrics with volume that bring warmth and comfort in solid washed colors and floral prints or retro patterns. Distinction presents the fusion between the elegant tailoring and casual style by mixing fabrics in dark colors and geometric prints. Pulsation shows functional fabrics for doing sports that are like second skins.
All of them are reflected in a characterization of consumers from a sociological point of view regarding how they think, where they shop, how they dress or what values they have. It can be said that not everyone has the same desires, needs, ideas or tastes and it is necessary to have an opened mind to accept and understand the peculiarities of each person. But from the point of view of the product design and business strategy to have into account so many special features and developments would bring tastes very complex, so it is necessary to group tastes to focus efforts.
Returning to the title of the post, the expression "to each his own", it could be reversed meaning that the person's tastes in colours are diverse, since, in this light the colors are grouped around unified tastes in universes and it is not the opposite.
Cuando imaginaba la moda del futuro, siempre pensaba en colecciones con aires cibernéticos, prendas inteligentes y tejidos tecnológicos a modo de las colecciones de hace unos años de Hussein Chalayan o Nicolás Ghesquiere para Balenciaga. Nada más lejos de la realidad.
El futuro inmediato parece inundado por otra tendencia muy en alza que parece contraria a todo este universo cibernético y que, frente a los tejidos sintéticos y los acabados industriales, prima el valor de la materia prima natural y los acabados artesanales.
La sociedad en que vivimos actualmente y el consumo que realizamos más racional debido a la época de crisis, nos hace valorar otro tipo de accésits que vienen de la mano de la elaboración cuidada a través de mecanismos artesanales que dotan a los productos de autenticidad, historia y atemporalidad.
La añoranza de aquellos tiempos pasados en los que parecía que “todo iba mejor” juega un papel muy importante en esta tendencia de consumo. Y la moda se ha dado cuenta de ello.
Claros ejemplos podemos verlos en las líneas que los diseñadores proponen para esta temporada otoño/invierno. Bordados como los que proponía en sus últimos diseños el desaparecido Alexander McQueen, encajes como el que utiliza Dior en sus propuestas de calzado y piezas hechas totalmente a mano volverán a dotar a los productos de ese valor intagible que convierte a las prendas en verdaderas piezas de museo.
De manera más local, diseñadores como Fernando Claro apuestan por recuperar para la moda oficios tan tradicionales como la orfebrería y presentan para esta temporada cinturones, collares y pulseras realizados por la prestigiosa orfebre sevillana Esther Amo.
Incluso los diseñadores más jóvenes se han hecho eco de esta “tendencia”. Hace apenas unos meses podíamos ver en la pasarela South 36.32 N como el jienense Moisés Nieto recuperaba uno de los oficios más antiguos y que parece, nada tiene que ver con la moda: el de espartero. Moisés combina este material con otros más nobles y consigue complementos únicos basados en lo que él ha resuelto en llamar “lujo austero”.
¿Se convertirá la artesanía en pieza fundamental de este “nuevo lujo”? ¿Será la artesanía una profesión de futuro?
When I imagined the future fashion, I always thought about cyber collections, intelligent garments and technological textiles as the Hussein Chalayan collections showed a few years ago or those from Nicolás Ghesquiere for Balenciaga. Nothing is further from reality.
The immediate future has another rising trend that seems opposite to this cyber universe, and instead of synthetic fabrics and industrial finishes, natural materials and handcrafted finishes are highly valued.
The society in which we live today and the more rational consumption we make due to the time of crisis, makes us to value other kind of second prizes that come from the hand of the careful preparation through handicraft mechanisms that give authenticity, history and timelessness to the products
The longing for those past times when it seemed that "everything was better" plays an important role in this trend of consumption. And fashion has taken it into account.
Clear examples are found on the lines that the designers intend for this autumn / winter. Embroideries as those proposed by the late Alexander McQueen in his designs , laces as Dior uses in his proposals for footwear and pieces made entirely by hand, will give the products the intangible value that transforms clothes in real museum pieces.
Local designers such as Fernando Claro bets to recover traditional crafts such as goldsmith for fashion and proposes for this season belts, necklaces and bracelets made by the prestigious Master goldsmith Esther from Seville.
Even young designers have echoed this "trend." Just a few months ago we could see on the South 36.32 N catwalk how Moises Nieto from Jaén recovered one of the oldest professions without any connection with fashion apparently: esparto crafter. Moisés combines esparto with other fine materials and gets more unique accessories based on what he has decided to call "austere luxury.
Will handicrafts become basic in this "new luxury"? Will craft be a future profession?
El diseñador sevillano Antonio García presentó en Andalucía de Moda una colección con diversidad de tejidos y tonalidades en torno a un mismo lenguaje de formas y volúmenes. La presencia de la pajarita como hilo conductor y como signo distintivo de la casa, aporta sofisticación y personalidad a las prendas.
El desfile de Fernando Claro demostró una magnífica puesta en escena y gran riqueza en tejidos y volúmenes en un marco incomparable - Abades Triana (Sevilla).
Vimos que los escaparates Printemps, con motivo de la semana de la moda de París y debido a su coincidencia con el estreno de la película "Alice in Wonderland", customizaron sus escaparates y su interior.
Como reclamo en el exterior pidieron a varios diseñadores de renombre estilismos para los distintos personajes de la historia e interpretaron escenas en sus escaparates: Alicia, la Reina de Corazones, el Conejo,..
En su interior, la famosa pastelería Ladurée abrió una cafetería pop-up con ambientación de la película para comercializar sus famosos "macarons".
Vemos en ambos la viralidad, el efecto efímero y experiencial están presentes como bases para la comunicación y relación con los consumidores como tendencia en los espacios comerciales.
Acudimos a algunos desfiles de la semana de la moda de París para conocer las propuestas en materiales, colores, estilos y puesta en escena de los referentes de la moda actual.
Los desfiles transcurren por diversos espacios de la ciudad y cada uno congrega a multitud de asistentes. Cielo abierto y frío, mucho frío, como marco para contemplar las propuestas materiales cálidos para el próximo invierno.
La diseñadora Isabel Marant mostró, en un antiguo convento rehabilitado, una colección en tonos marrones, beige, grises con detalles en colores vivos (rojo). Prendas casual mezcladas con otras de corte más clásico.
El desfile de Lanvin congregó a un gran público y numerosas personalidades en unas naves industriales en Les Halles Freyssinet. Mostró una gama de colores negros, grises oscuros, granates, marrones,.. Grandes pliegues, volúmenes en mangas y hombros. Escotes asimétricos y detalles étnicos (plumas, apliques madera,..). Prendas versátiles para fiesta-oficina.
Espectacular puesta en escena de los diseñadores Viktor & Rolf en una carpa en los jardines de las Tullerías. Con una perfecta sincronización de música, luz y movimientos, los diseñadores vistieron y desvistieron a la top de los 90s Kristen McMenamy sobre la pasarela. Presencia absoluta del color negro, abrigos como prendas estrella, volúmenes llevados a la exageración y prendas con muchos detalles (puños, cuerdas, lazos,..).
El diseñador libanés Zuhair Muravi mostró en uno de los salones del Hotel Westin su colección de trajes de fiesta. Gran variedad colores, homogeneidad en tejidos, contraste entre cortes clásicos y otros más actuales (corto por delante, largo por detrás), y estilismos clásicos contrapuestos a otros más juveniles. Gran ornamentación en sintonía con la decoración del salón del hotel.
La diseñadora rumana Ingrid Vlasov presentó en Carrousel du Louvre una colección con prendas que marcaban los ángulos de las siluetas evidenciando contrastes entre colores oscuros y blancos o tejidos opacos y transparencias.
Bernard Willhelm, diseñador alemán graduado en la escuela de Amberes, mostró su colección fusión oriente-occidente en un show que ponía de manifiesto el contraste entre el entorno clásico de los salones de la Bolsa de París y el carácter provocador y sexualmente explícito de la puesta en escena de la colección.
La diseñadora griega Sofía Kokosalaki presentó en el Hotel Westin una colección de trajes de chaqueta y vestidos fiesta con tejidos, cortes y colores heterogéneos como principales protagonistas.
Los salones de la moda se encuentran repartidos por la ciudad – Atmosphère, París su Mode, Premier Classe, Tranoï y espacio de los diseñadores belgas en Le Marais -.Como tónica general se apreciaron prendas y complementos sin grandes estridencias, colores y con diseños neutros.
Desde el suelo (debido al lleno total) asistimos al seminario de coolhunting organizado por ACOTEX y ASECOM y presentado por SARTIA en el SIMM de Madrid.
Tras su visita por los principales showrooms y pasarelas, Pagoa Larena, dio a los diseñadores y minoristas, sus claves de las prendas, colores y estilos que más se llevarán en la calle en el próximo invierno.
El equipo iLab de Surgenia nos acercamos a conocer en el SIMM de Madrid la actualización de tendencias en estilos, colores, tejidos y prendas para Primavera/Verano 2010 propuesta por laagencia de tendencias WSGN. Una herramienta clave para conocer lo que perdurará y lo nuevo que llega. También las macrotendencias que nos llegarán tanto en moda, como en retail para el otoño invierno 2010/11.
Las consignas principales a tener en cuenta son que el consumidor realizará compras más racionales, tanto medioambiental como económicamente, y también, que será parte activa de su propio look con el famoso DIY.
El diseñador sevillano 
